S’Aatie vive nell’Acquaviva

 Aatie, chissà se suddetto titolo volutamente o no richiami Satie, direi di sì se si prende Satie come riferimento di un alto tasso di sperimentazione, come accanita e testarda affermazione di un’assoluta libertà creativa che consente all’artista-musicista qualsiasi cosa. Salta all’occhio tuttavia la scritta del DVD con la parola Aatie sdoppiata e girata all’incontrario dove il carattere scelto per la a assomiglia tremendamente ad una s.

Aatie ha debuttato (un estratto di 7 minuti) alla Fenice di Venezia il 14 maggio del 2011, mentre nella sua totalità è andato in scena al Conservatorio di Parigi il 15 febbraio del 2012. Riascoltandolo a distanza di oltre un decennio, conserva intatto tutto il suo potere d’impatto elettroacustico, con soluzioni innovative rispetto alla tradizione di questa ricerca che annovera nomi indelebili come Berio, Stockhausen o Xenakis. Dove stanno le novità? Anzitutto il rapporto tra un parlato quotidiano esibito in un francese colloquiale, a volte un inglese fortemente francesizzato e financo uno spagnolo sudamericano elevato a degno interlocutore di un canto, appena accennato, mai completamente sviluppato ma sempre ben presente come indispensabile filo conduttore. La bellissima voce del mezzo soprano Loré Lixenberg campeggia in primo piano e cuce tutte le varie fasi con gorgheggi, trilli e funambolismi elettronici cementando con una solida omogeneità l’intera opera. Quindi elevare la banale parlata d’ogni giorno al ruolo di deuteragonista significa portare aria fresca dentro una stanza dove la sequenza delle note sia musicali che cantate non basta più come riserva d’ossigeno. Anche la strumentazione adottata a netta maggioranza di fiati favorisce il trionfo della voce sia essa cantata o parlata. Mentre in certe opere del passato il modello era estremamente rigido pena anche una certa incomprensibilità se non proprio urticante cacofonia, qui il Nostro riesce perfettamente a far dialogare in piena e ammirevole armonia il catalogo degli accorgimenti elettronici con brandelli di bel canto e soprattutto con la lingua comune. Ne deriva un effetto d’insieme che è al contempo un rigetto dell’horror vacui sonoro ed un inno al dettaglio, al particolare che resta sempre molto comprensibile nell’equilibrio generale degli elementi coinvolti. Come un consumato direttore d’orchestra, centellina ingressi e uscite nell’opéra-monde perché tutto può farvi parte con la necessaria grazia. In virtù di una seducente eufonia Aatie non sfigura come erede della grande tradizione elettroacustica nata e sviluppata nella seconda metà del secolo scorso, penso più a Pierre Henry che a Pierre Schaeffer. L’autore ricorda che “what is the market? the market is what people prefer!” (“cosa è il mercato? è ciò che la gente vuole!”) forse questa è la triste realtà con la quale ci tocca confrontarci ogni giorno e forse anche per questo, sotto finale, s’intensificano urla, urletti di rabbia o disperazione.

Infine, vorrei riprendere dalla sua ampia produzione passata Le Disque (2009-10) che non pare per nulla invecchiato, quando si lavora sui grandi universali temi in questo caso il corpo umano e sulle possibili reazioni che ha durante una forzata assenza dal consorzio umano e soprattutto dalla luce, si centra un obiettivo che è destinato a durare. L’opera si snocciola attraverso lacerti fonetici, spezzoni musicali, accenni rumorici che ben rendono il clima claustrofobico diluito in appropriate pause cagiane che le evidenziano al massimo grado. Ne risulta un ascolto nervoso che costringe i nostri sensi ad essere parte attiva sorpresi e attirati da quanto sta per succedere, l’imprevedibilità come cifra estetica e valore creativo.

Frédéric Acquaviva, Aatie (opéra-monde), for mezzo-soprano, voices, instrumental ensemble, electronics and videos, Casus Belli, 2012. CD-DVD

Frédéric Acquaviva, Le Disque, 320’ pour voix, clavecin, et électronique, Milan, Casus Belli, 2010.  8 CD

25 giugno 2025

S’Aatie live into Acquaviva

Aatie, who knows if the aforementioned title intentionally or not recalls Satie, I would say yes if one takes Satie as a reference of a high rate of experimentation, as a fierce and stubborn affirmation of an absolute creative freedom that allows the artist-musician anything. However, the writing on the DVD credits catches the eye with the word Aatie doubled and turned backwards where the character chosen for the a looks terribly like an s.

Aatie debuted (a 7-minute excerpt) at the Fenice in Venice on May 14, 2011, while in its entirety it was performed at the Paris Conservatory on February 15, 2012. Listening to it again after more than a decade, it retains all its power of electroacoustic impact thanks to innovative solutions compared to the tradition of this research that includes indelible names such as Berio, Stockhausen or Xenakis. Where are the novelties? First of all, the relationship between an everyday speech exhibited in colloquial French, sometimes a strongly Frenchified English and even a South American Spanish elevated to a worthy interlocutor of a chant, barely hinted at, never fully developed but always present as an indispensable thread. The beautiful voice of mezzo soprano Loré Lixenberg stands out in the foreground and sews together all the various phases with warbling, trills and electronic tightrope walking, cementing the entire work with a solid homogeneity. So elevating the banal everyday speech to the role of deuteragonist means bringing fresh air into a room where the sequence of notes, both musical and sung, is no longer sufficient as an oxygen reserve. Even the instrumentation adopted with a clear majority of wind instruments favors the triumph of the voice, whether sung or spoken. While in certain works of the past the model was extremely rigid, even at the risk of a certain incomprehensibility if not downright stinging cacophony, here our man perfectly succeeds in making the catalogue of electronic devices dialogue in full and admirable harmony with shreds of bel canto and above all with the common language. The result is an overall effect that is at the same time a rejection of the sound horror vacui and a hymn to the detail, to the particular that always remains very comprehensible in the general balance of the elements involved. Like a seasoned conductor, he rations entrances and exits in the opéra-monde because everything can be part of it with the necessary grace. By virtue of a seductive euphony Aatie does not look out of place as the heir of the great electroacoustic tradition born and developed in the second half of the last century, I think more of Pierre Henry than of Pierre Schaeffer. The author reminds us that “what is the market? the market is what people prefer!” perhaps this is the sad reality we have to deal with every day and perhaps also for this reason, under the finale, the screams, shrieks of anger or desperation do intensify.

Finally, I would like to resume from his vast past production Le Disque (2009-10) which does not seem to have aged at all, when one works about the great universal themes in this case the human body and his possible reactions it has during a forced absence from the human consortium and especially from light, you hit a target that is destined to last. The work unfolds through phonetic fragments, musical pieces, noisy hints that well render the claustrophobic climate diluted in appropriate cagian pauses that highlight them to the maximum degree. The result is a nervous listening that forces our senses to be an active part surprised and attracted by what is about to happen, unpredictability as an aesthetic figure and creative value.

Frédéric Acquaviva, Aatie (opéra-monde), for mezzo-soprano, voices, instrumental ensemble, electronics and videos, Casus Belli, 2012. CD-DVD

Frédéric Acquaviva, Le Disque, 320’ pour voix, clavecin, et électronique, Milan, Casus Belli, 2010. 8 CD

June 25th 2025

Per farla finita….e la storia ricomincia

Dopo Schwitters era prevedibile che Jaap (Blonk) affrontasse un altro mostro sacro come Artaud. Mentre la Ursonate con il suo carico di rarefazioni e riduzioni favoriva l’esplosione fonetica, l’opera di Artaud (Per farla finita con il giudizio di Dio, 1947), pur ricorrendo a tutto spiano alla strumentazione della cosiddetta poesia sonora (urla, i tipici click buccali, onomatopee, glossolalia se non la vera distruzione della parola stessa attraverso una pronuncia schiacciata fino appunto alla distorsione) resta essenzialmente un‘opera teatrale dove all’autore interessava comunicare tematiche antireligiose (sin dal titolo), antiamericane, violare i tabù innalzando vessilli scatologici. Infatti venne subito censurata e proibita la sua divulgazione pubblica alla radio francese (febbraio 1948) che l’aveva commissionata.

Se “everything must be arranged in a fulminating order” (“ogni cosa deve essere organizzata in un ordine fulminante”), inutile addentrarsi in inefficaci moduli di riscrittura, meglio riprendere, come di fatto avviene, la stessa struttura artaudiana perché lo scopo principe è far giungere il messaggio, trasgressivo fin che si vuole, a chi ascolta. Quindi ascoltando To Have Done fa un certo effetto sentire il testo letto in inglese, perché di vera lettura si tratta se si vuole davvero veicolare il potere trasgressivo del lessico. In questo senso non solo è un reading classico, doppiamente classico perché si ritorna agli albori della letteratura quando le opere lungi dallo sbrodolare i personalismi caratteriali dei singoli autori, oggettivamente esibivano dei dati su cui ragionare e dibattere, concetti non riferiti a manie ossessive dell’ego dello scrittore, ma riflessioni, nozioni e argomentazioni.

Jaap sceglie pertanto di rispettare il testo anche se è consapevole che “I am saying sonething bizarre” (“Sto dicendo qualcosa di strano”), al punto che le circonvoluzioni irresistibili frutto della sua potenza polmonare vengono saggiamente circoscritte se non contratte e centellinate, e fungono da armonico contrappunto allo scorrere delle frasi. Chi ascolta questo CD non si aspetti di trovare il solito Jaap cui è abituato da decenni, il Nostro sta interpretando o meglio leggendo Artaud, però qualche traccia del suo sfrenato sperimentalismo tuttavia affiora soprattutto negli Interludes, nel finale di Black Sun e sicuramente in Raise the question, il brano più complesso dell’intero CD, dove riesce a far confluire le acrobazie vocaliche dentro al significato totalmente ribelle.

Abile come sempre a sfruttare la vecchia tecnica del multiplay o dello sdoppiamento su più piste, ha deciso di mantenere una parvenza di sottofondo musicale che in Artaud era frutto di vere cacofonie prodotto allo xilofono e intercalate da percussioni, qui, invece, assume un aspetto da colonna sonora, creando una ambientazione da suspense o thriller che ben si adatta all’atmosfera generale (con le eccezioni rumoriche già segnalate negli Interludes). In entrambi i casi, siamo di fronte come spesso vengo ripetendo da tempo, ad una non-musica che evidenzia in modo dirompente la forza buccale del fiato (“le parole sono respiro” ricordava Byron).

Antonin Artaud by Jaap Blonk To Have Done with the Judgment of God, Arnhem, Kontrans Records, 2020.

 23 giugno 2025

To have done…and the story begins again

 After Schwitters, it was predictable that Jaap (Blonk) would tackle another sacred monster like Artaud. While the Ursonate with its load of rarefactions and reductions favored the phonetic explosion, Artaud’s work (To have done with the Judgement of God, 1947), despite resorting fully to the instrumentation of so-called sound poetry (screams, the typical buccal clicks, onomatopoeia, glossolalia if not the real destruction of the word itself through a pronunciation compressed to the point of distortion) remains essentially a theatrical work where the author was interested in communicating anti-religious (starting from the title), anti-American themes, violating taboos by raising scatological banners. In fact, its public broadcasting on the French radio (February 1948), which had commissioned it, was immediately censored and prohibited.

If “everything must be arranged in a fulminating order”, there is no point in delving into ineffective rewriting modules, it is better to resume, as in fact it happens, the same Artaudian structure because the main purpose is to transmit the message, transgressive as you want, across to the listener. So listening to To Have Done has a certain effect on hearing the text read in English, because it is a real reading if you really want to convey the transgressive power of the lexicon. In this sense it is not only a classic reading, doubly classic because it goes back to the dawn of literature when the works, far from spinning out the character personalities of the individual authors, objectively exhibited data on which to reason and debate, concepts not related to obsessive manias of the writer’s ego, but reflections, notions and arguments.

Jaap therefore chooses to respect the text even if he is aware that “I am saying something bizarre”, to the point that the irresistible convolutions resulting from his lung power are wisely circumscribed if not contracted and rationed, and they act as a harmonic counterpoint to the flow of the sentences. Those who listen to this CD should not expect to find the usual Jaap they have been used to for decades, our man is interpreting or rather reading Artaud, however some traces of his unbridled experimentalism nevertheless emerge especially in the Interludes, in the finale of Black Sun and certainly in Raise the question, the most complex piece of the entire CD, where he manages to make the vocal acrobatics flow into the totally rebellious meaning.

Skilled as ever in exploiting the old technique of multiplay or splitting on multiple tracks, he decided to maintain a semblance of background music that in Artaud was the result of real cacophonies produced on the xylophone and interspersed with percussion, here, instead, it takes on the aspect of a soundtrack, creating a suspenseful or thriller setting that adapts well to the general atmosphere (with the noisy exceptions already noted in the Interludes). In both cases, we are faced with, as I have often been repeating for decades, a non-music that emphasizes in a disruptive way the oral force of the breath (“words are breath” Byron recalled).

Antonin Artaud by Jaap Blonk To Have Done with the Judgment of God, Arnhem, Kontrans Records, 2020.

June 23rd 2025

Talete e la videopoesia

La servetta di Tracia, carina e graziosa secondo Platone, sbeffeggia Talete che a forza di guardare il cielo, cade nel pozzo, che poi è una pozzanghera. Platone ricorda la storiella citando Socrate che definisce il vero filosofo come colui che indaga «le cose che sono» ossia le idee, tralasciando «le cose che gli stanno appresso».

Mi son ricordato del malcapitato Talete quando Sarah Tremlett (introducendo il saggio di Marc Zegans su una videopoesia di Rich Ferguson) suggerisce di utilizzare lo schermo video-poetico come una spazio filosofico. Di certo è una primizia perché avendo attraversato quasi cinquant’anni di videopoesia, non mi era mai capitato di sentire con tanta forza e determinazione il richiamo alla filosofia. Credo che nel caso di Sarah, però, l’aneddoto platonico vada decisamente capovolto, intendo dire che non è tanto interessata alle idee, quanto alle cose «che gli stanno appresso», cose reali, precise realtà e non propositi fumogeni o virtuosismi elettronici. Per restare dentro alla metafora di Talete, indagare la pozzanghera, ciò che gli sta sotto i piedi e non le fanfaluche che gli passano per la testa. Lei stessa ribadisce «we need to hear Real Voices and see Real Values at work and connective aesthetics whatever scheme Trump trumps up». L’affermazione è perentoria, mi fa venire in mente la dittatura del fatto elaborata a suo tempo da Dziga Vertov, « necessitiamo di voci autentiche, valori reali e un’estetica connettiva qualsiasi trappola Trump inventi » [impossibile tradurre il gioco di parole sul cognome del presidente degli Stati Uniti]. Ritengo che controbattere tutto l’armamentario tecnologico in atto oggi ricorrendo allo strumento artistico sia tempo sprecato, la lotta di Davide contro Golia. Ciò che si può fare, nel nostro particulare, è sviluppare quello che Sarah sintetizza con l’incisivo schema connective aesthetics.

E qui compare la mia Polipoesia che sin dagli anni Ottanta ha cercato di amalgamare tutti gli elementi (ivi compreso il video) della performance live, creando un rapporto funzionale al fine del trionfo della vocalità o oralità, a seconda dei casi.

Pertanto Marc Zegans ha ragione quando scrive nell’ottimo saggio (vedi link sottostante) che la videopoesia, generalmente parlando, non appartiene allo specifico polipoetico, però va anche aggiunto che Rich Ferguson compie una vera performance nel video suddetto, esibendo tutti gli elementi dello spettacolo, musica, immagini, abiti, oggetti, movimenti e naturalmente la voce. Quindi in sintesi direi che è un’opera polipoetica anche se va ascritta al settore dell’oralità, perché assistiamo ad un perfetto esempio di spoken word o reading secondo lo stile Beat.

L’ultima questione da affrontare, last but not least, sarebbe quella dei contenuti senza i quali non si realizza quell’estetica connettiva di cui si è fatto cenno. Temi da controinformazione? Affrontare il non detto dai media, oppure trattare il quotidiano elevandolo al suo grado massimo di assoluto? La partita è ancora aperta e tutta da giocare, vorrei solo ricordare che il più grande rivoluzionario del secolo passato, Che Guevara, nelle sue poesie parlava soprattutto di amore.

https://liberatedwords.com/2025/05/16/on-the-cutting-edge-4-what-was-said-at-the-reunion-of-deathbed-images-marc-zegans-on-rich-ferguson/

Sarah Tremlett ON THE CUTTING EDGE: 4 – What was Said at the Reunion of Deathbed Images – Marc Zegans on Rich Ferguson

22 maggio 2025

Thales and videopoetry

The Thracian maid, cute and gracious according to Plato, mocks Thales who, by dint of looking at the sky, falls into the well, which is actually a puddle. Plato recalls the story by quoting Socrates who defines the true philosopher as someone who investigates «the things that are» or ideas, leaving aside «the things that are close to them». I remembered the unfortunate Thales when Sarah Tremlett (introducing Marc Zegans’ essay on a videopoem by Rich Ferguson) talks about using the video-poetic screen as a philosophical space. It is certainly a novelty because having gone through almost fifty years of video poetry, I had never felt the call to philosophy with such force and determination. I believe that in Sarah’s case, however, the Platonic anecdote needs to be turned on its head. I mean, she is not so much interested in ideas as in the things «that are close to her», real things, precise realities and not vague intentions or electronic virtuosity. To stay within the metaphor of Thales, investigating the puddle, what is under his feet and not the nonsense that passes through his head. She herself reiterates «we need to hear Real Voices and see Real Values at work and connective aesthetics whatever scheme Trump trumps up». It reminds me of the dictatorship of the fact developed in his time by Dziga Vertov. I believe that countering all the technological arsenal in place today by resorting to the artistic tool is a waste of time, the fight of David against Goliath. What we can do, in our particulare, is to develop what Sarah summarizes with the incisive scheme connective aesthetics.

And here appears my Polypoetry which since the 1980s has been trying to combine all the elements (including video) of live performance, creating a functional relationship aimed at the triumph of vocality or orality, depending on the case.

Therefore Marc Zegans is right when he writes in the excellent essay (see link below) that videopoetry, generally speaking, does not belong to the specific polypoetic one, but it should also be added that Rich Ferguson carries out a real performance in the aforementioned video, exhibiting all the elements of the show, music, images, clothes, objects, movements and of course the voice. So in short I would say that it is a polypoetic work even if it should be ascribed to the orality area, because we are witnessing a perfect example of spoken word or reading according to the Beat style.

The last issue to be addressed, last but not least, would be that of the contents without which the connective aesthetics mentioned cannot be achieved. Counter-information themes? Developing what is not said by the media, or treating the everyday by elevating it to its maximum degree of absolute? The game is still open and all to play, I would just like to remember that the greatest revolutionary of the past century, Che Guevara, spoke above all of love in his poems.

https://liberatedwords.com/2025/05/16/on-the-cutting-edge-4-what-was-said-at-the-reunion-of-deathbed-images-marc-zegans-on-rich-ferguson/

Sarah Tremlett ON THE CUTTING EDGE: 4 – What was Said at the Reunion of Deathbed Images – Marc Zegans on Rich Ferguson

May 22nd 2025